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素描基本概论

时间:2013-11-19 ┆ 来源:中国少儿书法美术网 ┆ 浏览次数:
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素描
素描是人类历史上最早出现的绘画形式,也是最古老的艺术语言。15世纪文艺复兴时期,人们才发现了其独特的表现魅力。在这一时期,意大利画家马萨丘、达·芬奇、米开朗基罗等人发明并运用了透视学、解剖学和构图学原理,为素描表现的立体感和空间感提供了科学的依据,逐步完善了素描。从此,素描便作为一种近乎完美的绘画形式在全世界画坛独树一帜。
1定义

素描:指用单色或简单的颜色的工具描绘对象的轮廓、体积、结构、空间、光线、质感等基本造型要素的绘画方法。
素描来自西方,隶属于欧洲绘画。我们今天所能看到的素描是由德国早期的民间木刻的版画发展而来的。这种早年流行于德国的民间绘画类似于中国的作圆——起初只是一些出自民间作坊里的宗教性题材的版画,随后在民间广泛流传——但那时并不作为一种独立的艺术表现形式存在。直到15世纪文艺复兴时期,人们才发现了其独特的表现魅力。在这一时期,意大利画家马萨丘、达·芬奇米开朗基罗等人发明并运用了透视学、解剖学和构图学原理,为素描表现的立体感和空间感提供了科学的依据,逐步完善了素描。从此,素描便作为一种近乎完美的绘画形式在欧洲画坛独树一帜。
虽然从表面上看,中西方绘画的基本表现技巧都离不开对线条的运用,但二者之间却有着本质区别。众所周知,白描,是中国绘画的基础,它讲求线条的趣味性,重于意象造型,较少受光线、时间等变化因素的影响。中国绘画中的线条,不仅借鉴和吸取了书法艺术的笔法技巧,在艺术表现上更是立足于物象的神韵与意趣的表达。在令人眼花缭乱的表现技法里,线条仍然是中国绘画中最常见、最基本的艺术表现手段。


2006年清华大学美术学院美术高考素描试卷(9张)
相比之下,西方绘画则更注重于具象与写实。素描是西洋绘画的基础。借助于特定的对象、环境、光影作画是素描写生的基本要求。因此,素描更多地受到了客观对象、环境、光线、时间等外部因素的影响。而线条则往往被视为构建形体的手段,并不具有独立的审美价值。中西绘画二者虽差异甚多,但不可否认,西方素描与中国白描同是绘画中最朴素的表现形式。
我们学习素描,是因为它是一切绘画的基础,能够培养我们基本的观察能力、绘画能力以及的审美能力等。当你学会如何在二维平面上塑造三维空间时,你所具有的观察事物与再现事物的能力便得到了显著提高。当你能够熟练地以素描的语汇进行表达与交流时,你会发现自己比以往更容易进入其它造型艺术的学习。当然,也包括建筑学的某些领域。[1]
2素描的分类
按传统体系分
1、中国写意传统的素描。例如盛唐吴道子所创,宋朝李公麟将白描推向纯美的境界。

2、西方写实传统的素描。[2]
按表现手法
1、结构素描
结构素描型或称“结构素描”,是以“线”为主要表现手段的素描形式,它是以表现形体结构为中心,舍去或削弱形体的明暗。突出形体的组合关系即结构特征的素描方法。
2、明暗素描
明暗造型或称“明暗素描”,是以明暗色调为主要表现手段的素描形式,是将对形体的明暗感觉和形体体积的认识统一起来塑造和表现形体的素描方法。[2]
3素描特点
形体形态
比例的解释:
比例通常指物体之间形的大小、宽窄、高低的关系;另外比例也会在构图中用到,例如你在画一幅素描静物就要注意所有静物占用画面的大小关系。
在画素描的过程中要想把形画准就要注意比例了。
把握比例的几个技巧:
1.横着比:当你要画某一个物体的位置时就以此做一条贯穿整个画面的横线,看到所有在这条线上的物体。
2.竖着比:做一条贯穿画面的垂线,注意观察所有在这条线上的物体。
3.多看物体、少看画面:为的是形成观察的意识,抛弃大脑中的原始概念。看物体5秒,看画面2秒,眼睛要在画面和物体之间反复的观察比较。
4.总的说就是放长线、看整体、多比较。把这些想象成经线纬线一样会比较简单;初学者要多画辅助线,等功底深厚了你会发现你画面中的辅助线会越来越少,而你心里假象的辅助线会越来越多。
在构图中要注意的比例关系技巧:
1.一般被画物占画面百分之八十左右,看上去饱满。关于构图之后会有详细讲解.
人物相关比例:
1.三庭五眼:发际线-鼻底-下巴为三庭,这三段之间每段的距离大约相等;耳根-外眼角-内眼角-内眼角-外眼角-耳根为五眼,它们之间距离大约相等。
2.站七坐五蹲三半:一个站着的成年人身高大约等于他七个头长(站七),当他座上时就等于五个头长(坐五),蹲着时刚好是三个半头长(三头)。
3.小孩的头部比例较大,站着时一般为三到四个头高。
4.张开双臂,两个中指之间的长度大约等于这个人的身高。
5.手臂的长度为两个头长(腋窝-胳膊肘-手腕各位为一个头长)。
6.手掌为三分之二头长。
7.当举起胳膊时胳膊肘刚好到头顶。
8.肩宽为两个头宽。
9.脚掌为一个头长。
10.男人肩比胯宽,而女人胯比肩宽。
还有很多,可以在生活中多总结,多观察。这些都是标准人体比例,可以帮助初学者入门;也是艺术家创作英雄楷模人物绘画雕塑等艺术作品时的指导,例如米开朗基罗的大卫是七个半头高。在现实生活中有形形色色的人,在进行人物素描时就应当个别观察,抓住特征。[3]
形体形态
形体是客观物像存在于空间的外在形式。任何物像都以其特定的形体存在而区别于其他物。形体属于素描造型的基本依据和不变因素。
对形体的认识,我们也可以将其分解为外形和体积两个因素。外形指平面的视觉外像而言;体积指空间的立体体量而言。在素描中这二者既有各自独立的意义和价值,又是相辅相成,不可分离的一对统一体。形是体积的外像,而体积又必须是有形来体现的。所以,我们对形体也可以理解为有体积的形。这就是说,我们对素描造型因素中的形体的认识,要树立起立体空间的观念。
任何复杂的形体都可以概括为几种基本的几何形体,这就是:立方体、圆球体、圆柱体、圆锥体。在我们的日常生活中更多的是多种几何形体按不同形式组合而成的物像。
我们在观察物像时,应首先注意其整体呈现的基本形。构成物像的基本形不同,则物像的形体特征就会不同。基本形是物像的大关系,把握住对象的基本形,就抓住了其形体特征。而准确地把握物像的形体特征便奠定素描造型的基础。[3]
结构关系

素描
素描中的形体,主要指物像的外形特征,结构则主要指物像的内部构造和组合关系。形体与结构是外观与内涵的关系。结构是形成物像外貌的内在依据,不了解它,就无法准确把握物像的一系列外表特征。
在素描中,结构包含两方面内容:一是解剖结构或构成结构;二是形体结构
人体和动物的骨骼、肌肉所构成的解剖关系,是解剖结构。熟悉了解解剖,是人物造型的基础。其他物体的内部构成框架及其构成关系称构成结构,是物像形体的内在依据。绘画中对物体的结构关系的把握,主要在于用面体现其基本形体特征,这样便于理解和把握复杂的结构关系,有利于形象体积的塑造。对结构的这一形体化的概念,我们称为形体结构或几何结构。
立体是面的集合体,这是现代绘画表现立体和空间的基本观点。因此,素描中对立体形象的把握通常是从分面开始的,分面是对物像形体的概括,是对结构的分析。面的概括构成了物像的立体框架。圆或接近圆的形体,也可以用概括的面来塑造。方的面更能准确地把握圆的整体关系。所谓造型中宁方勿圆也就是为了概括地、准确地塑造立体形象。[1]
结构比例
物像的结构、形体等造型因素体现在外观形态上必然同一定的尺度相联系,不同的尺度关系则表现为一定的比例关系。
任何物像的形体都是按一定的比例关系连结起来的,比例变了,物像的形状也就变了。因此基本比例的差错,必然导致对结构、形体认识和表现的错误。在素描写生的起始阶段,比例的意义尤其重要,画面形象的准与不准往往是比例关系的正确与否所致。
素描中比例的概念还可以指各物像之间的大小比例关;同一物体中局部与整体、局部与局部之间的比例关系;色调的明暗深浅层次的比关系等。
对形体比例的观察不应是机械、刻板地比较,应注意立体物像在一定的角度和透视变化中的比例关系。要致意在相互比较中抓住物像的比关系,特别是大的、整体形象的比例关系,而不应停留在局部去过分计较烦琐细节的比例。初学绘画可借助工具测量的方法去求得基本比例的准确,随着观察能力的提高,应逐步抛弃这种方法,着重凭感觉、眼力,*比较,训练观察能力的准确。[1]
透视关系
我们看到的自然界物像呈现近大远小的空间现象,就是透视现象。用科学的原理和方法把透视现象准确地表现在画面上,使其形象、位置、空间与实景感觉相同,这就是绘画透视。
在素描中,透视的运用是在画面上确定物体的深度,即物体及其各部分的形在画面中的空间位置,是绘画中表现物体的立体感和创造空间效果的基本因素。所以说,透视法则是写实造型的重要依据,掌握透视基本原则是

二点透视
准确观察,真实描绘物像空间关系的基础。
透视是一门较复杂的科学,这里作一些简单的介绍说明。
视点 画者眼睛的位置
视线 视点与物像之间的连线
视域 固定视点后,60度视角所看到的范围
视平线 向前平视,和视点等高的一条水平线。视平线与图像的关系:高于视平线的看到底面,低于视平线的看到顶面,视平线处于物像中间则地面与顶面都看不见。
平行透视
形体正前面的一个平面与画面平行时所呈现的物像透视关系为平行透视。
平行透视最少只看到一个面,最多可看见三个面,与画面成直角的形体边线都消失主点。
成角透视
形体的一面与地面平行,其立面与画面成一定角度,称为成角透视。成角透视最少可看到两个面,向画面纵深延伸的边线都分别消失于左右两个余点。[4]
明暗关系
明暗是素描的基本要素之一,是描绘物像立体与空间效果的重要因素。
任何物体在光的照射下都会呈现一定的明暗关系。光源的强弱,距离光源的远近及照射角度的不同,都会使物像呈现不同的明暗。光是物体明暗形成的先决条件,也是物体明暗变化的外在因素。
物体在一定角度的光照下,会产生受光部分和背光部分两个既相互对比,又相互联系的明暗系统。物体的明

素描静物
暗层次可概括为三个大面,五大调子,它们以一定的色阶关系联结成一个统一的整体,这就是明暗变化的基本规律。
在一定的光线下,明暗变化是由形体的机构起伏、转折而产生的。因此,明暗在任何时候都只属于特定的形体结构,回明暗的调子变化也就是在表现结构的起伏转折变化。结构是内在的、本质的因素,明暗是外在的,表象的形式;形体结构需要通过明暗来表现,而明暗关系中又处处体现着内在的形体起伏和结构变化。
明暗除了表现形象的立体感,在画面中更是表现整体空间效果的主要因素,明暗的层次处理及虚实、强弱的对比作用,是表现前后五项空间关系和整体气氛的基本手段。
素描是一切造型艺术之“门”,并且在某种程度上,造型能力已经成为艺术水平的评判标准之一。当绘画水平被作为职业能力而加以区分时,良好的绘画能力一定首先能够完整、全面地表达事物的特征,而绝非仅仅停留在对物象的简单模仿的层面上,或者是停留在空泛的图像经验上。良好的绘画能力,追求物态,追求形神统一,而决不是一种抽象的图像概念。要知道,绘画对象的形貌只是创作中不可缺少的载体。如果绘画者把全部精力都投入其中,便会导致对象神态上的缺失。因此,抓住事物的本质特点,自形入神,神由形出,形神统一,才是完整地进行艺术表现乃至艺术创造所不可或缺的能力。
素描 一顾名思义,是一种以朴素的方式去描绘客观事物,并且通常以单色的笔触及点、线、面来塑造形体的方法。从字面而言,素描可以被理解为单色画。广义而言,它是一种运用线条来再现事物的艺术形式,而绝非我们通常所理解的铅笔画那样狭隘。事实上,对素描工具的选择取决于个人的绘画能力以及表现对象的需要。现如今,关于个体意愿的选择和发挥已得到充分的尊重。表现手法也随之越来越多样化。

达·芬奇为《天使报喜》所作的素描搞
素描是艺术创作实践中的必经之路,因为良好的素描训练可以逐渐提高作画者的观察能力、想象能力及表现能力。素描,可以是大师笔下表达创作思路的一张张创作草图,也可以是一种独立的艺术表现形式。一幅优秀的素描作品,在审美价值和视觉感受等方面都绝不会逊色于其它任何画种。中外许多大师的素描作品都是不可再生的传世佳作。只强调明度而不强调色彩的绘画形式,通常用单色来完成的绘画。注重结构和明暗,并用明暗关系在二维平面上表现三维立体的艺术效果。[5]
4素描工具
铅笔

素描
在铅笔素描中,通常要备齐以下几种工具:铅笔(6B-2H)、橡皮(可塑橡皮和白橡皮两种)、炭笔、擦布(纸)以及纸张。了解这些材料的性能,掌握使用它们的技巧,能提高作画效率,取得良好的画面效果。现介绍如下:铅笔:从6B至2H的铅笔各有用途。软铅用作铺大调子时,能轻松快捷地拉开亮暗部色调差别和营造画面色调氛围。它宜用于描绘深色及暗部,但由于它的笔灰附着力差,易弄脏画面硬铅在处理画面肌理,勾勒变化丰富的线条以及表现亮调子的细微变化方面能起到软铅难以企及的作用但如果使用时用力过度,易损伤纸面,破坏画面效果。画素描时,单一地使用软铅,易将暗部画闷、画腻;单一地使用硬铅,深调子无法暗下去,重复遍数多了,又容易画腻及伤纸.两者结合起来使用时,就可扬长避短,发挥各自的优点。使用时,通常以软铅铺调“打底”画深色,以硬铅深入,压肌理画浅色,遵循先软后硬的顺序,如果顺序颠倒,软铅就无法在硬铅画过多遍的地方深入.天阴雨时,纸张软,宜多用软铅画;天晴朗时,纸张硬挺.2B的铅笔就能画出很深的调子。[1]
橡皮

  常用的橡皮有白橡皮和可塑橡皮两种,主要起清除误笔的作用。白橡皮的清除能力比可塑橡皮强;在同种橡皮里.软质的橡皮要比硬质橡皮清洁能力强。对于有些深且发腻的调子若要清除的话,必须先用可塑橡皮提去表层发亮的“腻子”,再用白橡皮清除。此外,白橡皮用刀切出尖角或可塑橡皮捏出尖角可以用来提亮高光及小的细节,还可在灰底上像排线条那样,拉出一组漂亮的白色肌理:可塑橡皮还可用来吸去大面积画过头的调子,调整调子花的部分,使调子过渡自然。用橡皮以一定的力度按擦灰调子,还可使局部的灰调子变深。


素描作品(14张)
擦布(纸):
  布(质地要软、干燥)可用来掸淡过头的深调;用来揉擦深调可以去腻,并使之丰富柔和;用来擦拭过硬、跳、乱的铅笔痕可使之虚化柔和;如用来擦拭灰调,可以使灰调变深,运用得当还能产生丰富的效果。铺完大调子后,再布擦--遍,能怏捷地使色调变深.变丰富,拉开色调差,加快作画速度。有的作者喜欢以铅笔铺一遍调子,再用布擦一遍,两者反复交替进行.能快速地营造出画面效果擦灰调时,通过控制擦的力度大小与时间长短来控制调子的变化万一出现花的现象,可以用可塑橡皮和铅笔来调整,擦布蘸铅笔灰还可用来起大幅尺寸的画稿和铺大面积的深调子(图6用布蘸炭粉画的素描)。[1]
素描纸

可以用来画素描的纸张很多,国内常用的有铅画纸、卡纸和水彩画纸.铅画纸表面颗粒粗,纸质松,易上铅,宜于画短期作业。双面白卡纸表面颗粒细微,较光滑,能显示丰富的色调变化,加上纸质密实硬挺,经得起反复修改、刻画,适合用来画中、长期作业,水彩画纸表面有网状纹路,适合用来制作一些特殊的画面效果。[1]
5历史评价
1. 用线条描写或单色的、不加彩色的绘画。 是造型艺术的基础。
鲁迅《书信集·致曹白》:“因为木刻究竟是绘画,所以先要学好素描。”
丁玲《韦护》第一章:“ 韦护不觉在心上,将这美的线条,作了一次素描,他愿意这女人没有睡着。”
绘画大师安格尔常说:“笔随形而走。”
2. 文学上运用简洁朴素不加渲染的写法亦称素描。
郭沫若李白与杜甫·杜甫的阶级意识》:“﹝杜甫《石壕吏》﹞诗,完全是素描。”
萧乾《一本褪色的相册·未带地图的旅人》:“我的特写基本上是用文字从事的素描写生,艺术加工主要是在剪裁上。”[2]
6素描发展
人类最早开始懂得绘画是从素描开始的。根据考古的发现,现在所知世界上最早的绘画是法国西南部比勒高省多尔多涅附近称为接斯柯的岩洞壁画和西班牙北部阿尔塔米拉山的洞窟壁画。前者距今约两万年,是旧石器时代的绘画遗迹;后者约在1万年以前,是旧石器时代晚期绘制的。原始人用最简易的材料描绘他们在狩猎活动中的主要猎获物。西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画的野牛尤为精彩,其中一只低头挺角准备向前冲击的野牛,像箭在弦上一触即发,充满向外的运动感。这是用烧鹿脂的灯烟画成的,然后用朱红色的矿物颜料粉末上色。这些古代壁画基本上是用单一颜色进行描绘,所以,也可以说是世界上最古老的素描画。


素描(23张)
在世界美术发展史上,继史前时期的绘画之后,最引人注目的是古埃及和古希腊的壁画,但是由于历史的演变保留下来的却寥寥无几。从仅存的残缺壁画看来,古埃及壁画仍以线造型为主,具有浓厚的东方色彩;而古希腊的壁画虽然仍以线的造型观念为主,但已向立体的方向表现和演变了。如果画这些壁画的画家都画有草图的话,这些草图就是一张张杰出的素描。可惜,这种素描画我们是看不到了。但我们可以从保存下来的古希腊瓶画中,看到当时古希腊艺术的素描水平。[6]
7素描的透视
素描透视概述
“透视”一词来自拉丁文“Perspicere”意思是“透而视之”,是在画者和景物之间竖起一块透明平面,景物形状通过聚向画者眼睛的锥形视线映在玻璃板上,使三维景物的形状落在二维平面上,即可产生透视图形。
要使画中景物产生立体感和空间距离感,通常通过以下几种方法来实现:
1、图形相互叠加的方法,完整的在前面,被遮挡的在后面;2、阴影表现的方法,即通过光影的明暗来表现出物体的形状也可以表达物体的前后关系;3、通过色彩的关系来表现,即由于大气透视的效果,越远的物体其色彩中某种色调的比例越高;4、也可以通过明暗对比和细节的清晰来表现。
我们平常所说的透视,是用“线”表达物体轮廓的透视变形,称为“线透视”。
关于线透视的研究发源于希腊,距今已有半个多世纪的历史,现已形成了完备的理论体系和准确的作图方法。透视学产生后不久就与解剖学一起成为该时代艺术的两大支柱,是建筑类、美术类和设计类学习者认识和理解客观世界的方法和手段,也可以作为描绘想象世界的准则。
透视学的教学内容非常繁杂,包括平行透视、成角透视、圆透视、阴影透视、投影透视等几个大项。达芬奇将透视分为色彩透视、消逝透视和线透视,其中最常用的是线透视。眼、物、画面,被称为构成透视全过程中不可缺一的三要素。[4]
透视中的直线
① 与画面平行又与地面平行的,可称为水平原线。
② 与画面平行而与地面垂直的,可称为垂直原线。
③ 与画面平行而与地面倾斜的,可称为倾斜原线。
④ 与地面平行而与画面垂直的,可称为直角变线。它们从四面八方一致向中间的心点集中,非常有规律。
⑤ 与地面平行而与画面倾斜45°角时,可称为对角变线(因为45°线适为一个正方形的对角线)。对角变线的灭点是左右两个距点。
⑥ 与地面平行,与画面倾斜90°和45°以外其余角度的,统称为余角变线。余角变线的灭点是余点。
⑦ 与画面和地面都倾斜而呈近低远高状况的,称为上斜变线。如房顶的近端坡面,它的左右两条向上倾斜的边线即属于此类。灭点在地平线以上的天空,叫做天点。
⑧ 与画面和地面都倾斜而呈近高远低状况的,称为下斜变线。灭点在地平线以下,叫做地点。[4]
灭点的确定与透视图的区分
平行透视中视点在画面上的投影是透视图中的灭点位置,灭点被定义为一组平行变线(与画面不平行的直线为变线)在画面上的交点,位置是视点引出一条平行于这组变线的直线与画 面的交点。
灭点的个数和位置并不是画透视图前凭空定义的,而是由视点和被画物体之间的关系决定的。有几组变线就有几个灭点,每组变线的灭点的位置就是经视点引出一条平行于这组变线的直线与画面的交点。
“平行透视”描绘的是一组变线的透视图,以心点为唯一灭点构图。在取景时,将建筑物作为平行透视构图处理,容易在画面上取得平稳、安定、端庄、宁静、和谐的感觉。许多名作都采用了这种“静”的形式,或是助长宁静安详的内容(如霍贝玛的《树间村道》、阿历克谢叶夫的《画室》)或是反衬寓动于静的气氛(如达·芬奇的《最后的晚餐》)、列宾的《意外的归来》)。
以距点或余点为主要灭点的构图形式,即“成角透视”。由于成角透视的变线都分别向左右两个余点集中,画面产生的视觉效果就不像平行透视那样单纯宁静而具有较大的运动感,因而容易收到生动、活泼的构图效果。[4]
透视规律的要点
把以上八种直线的透视变化,通过画面的“五点一线”,总结归纳出来,并化作熟练技巧。五点虽各有自己的位置变化,但只要掌握住它们与地平线的密切关系,一切就可迎刃而解。因为五个灭点中有三个——心点、距点、余点——都是平行于地面的变线所集中的点,故而它们都在地平线上。
不与地面平行的倾斜变线所集中的天点和地点,也与地平线紧密相关。除它俩分别在地平线以上或以下外,它们的“底迹”仍属水平变线,仍然消失在地平线上。所以,找灭点或地点的确切位置,只需先找到它的底迹的灭点(如找屋顶斜面消失的灭点或地点,先找到构筑屋顶的山墙的灭点),不外乎是心点、距点或余点,灭点或地点准在它们之一的垂直线上。[4]

参考资料
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